Spank a épargné les majors, celui-ci pensant qu’elles ne « laissent pas les artistes s’exprimer comme ils le souhaiteraient », ce qui lui a permis de se recentrer sur sa musique, de « faire quelque chose de nouveau, de frais, en connexion spirituelle avec la musique » comme il le dit si bien. À peine la piste une enclenchée (« #1 Hit ») que nous n’hésitons pas une seule seconde à taper du pied et se lever pour danser, comme la majorité des titres (« Car Song feat. Santogold » « Race Riot » « Turn It Off » « The Dance » « Nasty feat. Big Freedia ») baignant entre le hip hop, l’électronique, parfois même des riffs rock (« Ta Da ») superposés au rap, des mélanges fait sans maladresse.
On apprécie certainement mieux ce second disque peut-être beaucoup plus travaillé que YoYoYoYoYo (apparemment plus electro-hip hop que le premier), et on ne se lasse pas de repasser l’album en boucle dans la chaine hi-fi. Spank Rock séduit nos oreilles comme il sait satisfaire notre besoin quotidien de se dandiner en club.

Il y a quelques jours, nous sommes tombés sur une belle découverte : Part Company.
Part Company se situe entre Nice et Berlin, et pourrait éventuellement se résumer à beaucoup de choses comme François Truffaut, Captain Beefheart, Miles Davis, Syd Barrett , même si l'on reste parfois sceptique quant à certaines influences (la sauce chili sur les pizzas, Zinedine Zidane par exemple). Un mélange de rock avec du psychédélique ("Out Of Egypt" qui fait penser à du Brian Jonestown Massacre avec quelques intonations à la Sir Jagger), une façon de faire revivre l'ancien rock avec modernité et simplicité.

2011 est presque finie que 2012 se prépare en musique doucement mais sûrement ! Libération vous fait un joli petit cadeau de fin d'année : une compilation de 17 titres réalisée par Bayon, et il y a du beau monde !

Pour plus d'informations, c'est par ici

Avec Bradford Cox les mots sont toujours difficiles à trouver. Difficiles, car la beauté de ses textes et mélodies nous laissent la plupart du temps bouche bée voire émus par son incroyable inventivité (« Criminals » « Shelia » « Walkabout » ). Parallax, son troisième disque solo, montre une fois de plus que Cox fait de sa musique tout un art, peut-être parfois délicat d’accès pour ceux qui n’auraient jamais –ou pas encore- écouter ses anciens albums (Logos, Let The Blind Lead Those Who Can See But Cannot Feel). C’est vraisemblablement par l’expérimentation de la musique et de la voix qui rend son petit monde si fabuleux qui nous plonge très souvent dans l’onirisme, le psychédélique et l'ambiant (« Modern Aquatic Nightsongs » « Doldrums » « Quark Part 1 »). Comme à son habitude, les textes sont très intimistes ( « Te amo, Pretend you know the way I love And we will go to sleep And we’ll have the century ») : Bradford Cox serait-il un sentimental ? À force d’épuiser les titres, le constat est qu’il nous est impossible de rester insensible à sa musique, à son univers, car ce qui fait très certainement sa force c’est son combat contre sa maladie : la musique semble faire abstraction de cette réalité, Parallax c’est une heure (ou 59 minutes, au choix) de rêveries, de voyage dans un autre monde (« Quark Part 2 »), un monde où règnerait le calme, l’amour et l’épanouissement de l’être humain. Un album qu’on utiliserait bien en guise de bande originale dans un film de Lars Von Trier (Melancholia) ou encore de James Cameron (Avatar).

Petit garçon deviendra grand, Surkin ne joue plus dans la cour des petits depuis belles lurettes (26 ans quand même, précisons-le). Il vient de sortir son album chez Marble, tout simplement appelé USA. Une façon de rendre hommage à la techno Made In Usa ? Certainement. Sous une forme de « best-of » comme il le dit si bien. On pourrait naturellement critiquer le fait que ressortir sur le tapis le son des eighties est assez facile quand on ne fait pas parti des générations précédentes ; et pourtant, beaucoup d’artistes n’ont pas vécu les années soixante, soixante-dix et s’inspirent toutefois d’elles en faisant les choses biens. Pas de chichis, Surkin réussit à enflammer la piste de dancefloor à travers seize titres sans le moindre épuisement (« White Knight Two », « Fireworks Hotmix », « Fan Out », « Harry » avec notre bien-aimé Bobmo (guettez de très près High Powered Boys) ), en oubliant parfois qu’il s’agit d’un album en pensant plutôt à une longue soirée passée dans des clubs, le verre bien rempli et les cheveux trempés de sueur, sans faire attention au voisin. Benoit Heitz a tout compris, son but n’est pas de pleurer ce qui est révolu, mais de perdurer un son autrefois tant apprécié, un son qui d’ailleurs sonne à la fois moderne et rétro. Un album que l’on classe parmi les meilleurs disques électroniques de l’année.

Blouse n’est pas un vêtement comme les autres. Blouse est un trio originaire de Portland réanimant la dream-pop telle que nous l’avions connu avec Beach Fossils ou encore Wild Nothing.
Charlie Hilton, chanteuse du groupe, rencontre Patrick Adam dans une école d’art, le projet Blouse commence alors à voir le jour un été 2010 . Sur BandCamp, seulement deux titres de postés, le label Captured Tracks (Beach Fossil, Wild Nothing) repère le single « Into Black » et décidera de le sortir , le label Subpop (Nirvana, Avi Buffalo, Band Of Horses) quant à lui, se chargera de « Shadow », un titre qui ne figure malheureusement pas sur l’album éponyme Blouse, album sorti il y a déjà quelques jours. Ce disque regroupe dix pistes, dix pistes qui nous propulsent dans un autre univers : vous l’auriez compris, c’est de la rêverie dont on parle.
La dream-pop est très efficace pour nous effacer un petit instant de la réalité : non seulement la voix de Charlie Hilton nous apaise («Videotape » qui nous rappelle un peu la voix de Dee Dee (Dum Dum Girls) sur la cover « There Is A Light That Never Goes Out » ) mais les mélodies de « Time Travel » et « Into Black » nous plongent complètement dans l’onirisme. À croire que tout l’album baigne dedans. On reprochera peut-être un côté assez répétitif, qui peut facilement nous lasser rapidement. Le synthétiseur (« Ghost Dream ») renvoie à l’époque new-wave, mais ne nous surprend pas des masses, puisque nous avons cette impression de « déjà-vu » (Warpaint, Still Corners). Le disque n’est pas une déception dans sa totalité et détient tout de même de bons titres comme «Firestarter », « White » ou encore « Into Black » à la guitare obsédante.

Eté 2010 : le sable chaud, la mer, les fêtes jusqu’à pas d’heure, mais surtout « Surprise Hotel » des Fool’s Gold, tube estival idéal pour passer un été parfait : de la joie, de la bonne humeur, de la danse, mais surtout une formation exceptionnelle, créée par le chanteur/bassiste Luke Top et le guitariste Lewis Pesacov, tous deux originaires de Los Angeles. Se mêlent alors de la pop, mais surtout de la musique africaine, leurs principales influences. À la différence des autres groupes les paroles du premier album éponyme Fool’s Gold sont en hébreux (difficile à chanter nous vous l’avouons), c’est assez rare et plutôt plaisant à l'oreille. Ils sont de retour avec un nouvel album, Leave No Trace, cette fois-ci plus dance mais toujours aussi afro-pop que le précédent.
Leave No Trace nous fait voyager une fois de plus entre le continent Américain et Africain, l’album commence avec « The Dive » titre très enivrant et très dansant, tout comme leur single « Wild Window » aux mélodies largement efficaces pour nous donner l’envie de danser. Mais il n’est pas aussi vif pour autant que l’éponyme. En effet il semble plus détendu (« Tel Aviv » « Manmal » « Leave No Trace ») et moins spontané que « Nadine » « Yam Lo Mosheh » ou encore « Surprise Hotel » ce qui est un peu dommage quand on sait que les Fool’s Gold ont une bonne réputation sur scène. Lewis Pesacov cite parmi beaucoup d’inspirations, Tinariwen, un collectif de musiciens touaregs, on retrouve notamment cet esprit sur « Balmy », « Manmal » ou encore « Narrow Sun ».
Si l’on devait choisir des qualificatifs décrire pour Leave No Trace : gaieté, harmonie et réjouissance seraient sans aucun doute les mieux appropriés, car nous respirons encore l’été –même s’il est bel et bien terminé- et la joie de vivre, joie de vivre que nous avons sûrement rangé au fond du placard pour laisser place à la mélancolie de l‘automne & aux disques folk du moment.

Cet album serait-il plus intimiste ? Visiblement, oui. Les Battant ont pris le temps de composer, de travailler minutieusement les morceaux, ressenti dans ce onze pistes revigorant. Nous n’oublierons jamais Joel Dever et son travail apporté au sein du groupe.

Il est là, c'est tout nouveau c'est tout beau, c'est bien entendu le dernier single des Black Keys "Lonely Boy" ; titre du septième album El Camino, prévu pour le 6 Décembre prochain. Impatience quand tu nous tiens. En attendant, voici la tracklist :


1. Lonely Boy
2. Dead and Gone
3. Gold on the Ceiling
4. Little Black Submarines
5. Money Maker
6. Run Right Back
7. Sister
8. Hell of a Season
9. Stop Stop
10. Nova Baby
11. Mind Eraser

Cet été, il a su nous faire danser sur « Summer Is Here » un morceau très pop mélodique, mais il semble opter cette fois-ci pour quelque chose d’un peu différent : toujours aussi groovy et funky (« Bad Day » « We Ride » « Quiet Entertainers ») avec le dynamisme en moins que sur son précédent album que l’on regrette juste à peine. Il y a ce manque de vitalité que l’on retrouvait chez Good City For Dreamers (« Helicopter » « Take Back The Instant ») ou encore sur Cliquety Kliqk (« Tu m’intrigues » « Central Park ») : c’est assez dommage lorsqu’on sait que les prestations scéniques d’Hervé Salters en intriguent plus d’un.
Malgré ce petit bémol, on ne peut pas nier le fait que cet album a des qualités : il combine les genres comme personne d’autre ne pourrait le faire, il y a « un son » General Elektriks, ce son qui est à la fois rétro mais aussi moderne, peut-être est-ce ce mélange d’airs jazz à ceux de l’électronique, ceux du rock au hip hop. C’est un disque qui reste tout de même accessible, on ne boudera pas pour autant le côté jazzy (« Hardship Is Over ») qui peut parfois nous lasser comme nous impressionner (« We Ride »).

Une bécane, la Road 66, « Born To Be Wild » des Steppenwolf, et Dennis Hopper en compagnon de route: plutôt cliché. Et si on changeait la donne ? Et si la compilation « En Route ! » était LA compilation idéale pour prendre le guidon et partir à l'aventure? Freaksville Record sélectionne pour vous, dix titres electro-pop/disco prêts à nous faire danser toute la nuit.
Avec France (« Sur les routes de France ») et Accident (« Vert Bleu Noir ») on retourne une vingtaine d’années en arrière en pensant bien sûr à Etienne Daho (pourquoi pas l’album Signé Kako) mais aussi à Taxi Girl (« Chercher le garçon »). Vous avez sûrement reconnu notre brune qui ne compte pas pour des prunes alias Lio et sa collaboration avec Phantom sur « Mon nouveau Jules marche sur l’eau » aux paroles assez simples, mais largement efficaces pour qu’elles vous trottent dans la tête toute une journée.
« Motorcycle Club » de Conducteur Fantôme est presque le miroir du groupe Suicide : une voix qui ressemble étrangement à celle d’Alan Vega (voulu ou non, mystère !) et des riffs qui rappellent « Ghost Rider » (utilisé sur « Born Free » de MIA).
« Phantom is Alive » de Deadride Phantom qui clôture cette merveilleuse compilation riche en mélodies pop dynamiques, rappelle que le synthétiseur domine la majeure partie de l’album et démontre Ô combien il y a derrière tout cela, des groupes au talent caché qui méritent une attention particulière.

Si l’on ressent une certaine liberté dans Will the Guns Come Out, on la doit en partie à ses parents qui l’ont incité dès son plus jeune âge à s’imposer et à adopter une démarche assez libre, sûrement la raison pour laquelle les genres musicaux n’ont ici pas de limites.
Beaucoup d’énergie dès le départ sur une bonne partie de l’album (« Dead Wrong » « Build, Destroy, Rebuild ») mais surtout beaucoup de mixité : on pense à la période De Stilj des bien-aimés White Stripes, au Brothers des Black Keys et au rock d’Elvis (la cover acoustique « Heartbreak Hotel » ou encore le rockabilly « Loved One ») ; la seconde partie est plus détendue : Hanni El Khatib nous laisse le temps de faire une pause avec quelques morceaux folk, agréables à l’écoute (« Wait Wait Wait » « Garbage City »), avant de repartir se trémousser sur la cover de Gainsbourg « You Rascal You » (« Vieille Canaille ») et « You Got A Thing » de Funkadelic qui clôture l’album en beauté, en électrisant notre corps.

Si le nom de l’album est emprunté au groupe de la contre-culture Trans-Love Energies créé par John Sinclair (poète et ancien manager des MC5), les influences, elles, paraissent hétéroclites : du krautrock/coldwave des Kraftwerk (« Medication » , « Witchdance » et « Your Lofe My Acid » avec l’aimable participation de Katie Stelmanis d’Austra) au shoegaze des My Bloody Valentine (« Black Hole » ) ou encore des Jesus and Mary Chain.
Ce cinquième LP nous surprend, certainement parce que Fearless semble s’être très investi dans ce projet, comme si cet album définissait au mieux le groupe. Une fois de plus, ils arrivent à nous rappeler qu’ils sont les auteurs du génialissime « Girls », utilisé en bande-originale dans Lost In Translation de Sofia Coppola, parce que oui, Death In Vegas est aussi, mais surtout, un groupe qui réussit à nous faire voyager et à rendre leur musique cinématographique (« Savage Love » comme une apocalypse ou un générique de fin).

Ce quatuor Nantais envahit depuis quelques temps Radio Nova, impossible de ne pas l'entendre au moins une fois par jour avec le merveilleux titre pop "Stereo" qui en fait danser plus d'un.
Influences sixties, entre autre les Kinks qui se fait ressentir dans le titre "Henri IV" de leur EP Ideal Roomates sorti alors en 2009. Ce qu'on aime chez ELEPHANZ c'est cet arrière-goût de pop anglaise qui nous remémore les années Beatles, et ce n'est qu'un début pour ces Nantais, un début sur la bonne voie, puisqu'ils seront sur la compilation Nova Tunes 2.4 ! Un groupe à suivre de très près !

« Envoûtant » « ravissant » ou encore « séduisant » seraient les adjectifs qui qualifieraient le disque de la belle Allemande, qui peut quelquefois nous surprendre quand il s'agit de reprendre de vieux titres tels que ceux de Bob Dylan (« Masters Of War ») ou encore de Skeeter Davis (« The End Of The World »).

Qui l'eût cru que ce quintet passerait radicalement du garage sixties au tranquillisant psychédélique? Au début ça flirtait avec le bruit sur Strange House, puis avec le sombre sur Primary Colours, et avec Skying les Horreurs semblent définitivement fixer les canons du son Horrors. Il y a eu multiples questions à propos de cet album, comment l’interpréter, pourquoi un changement radical depuis Strange House, et on a franchement envie de dire que leur premier disque servait certainement de test, le second a plus ou moins remettre en question le style, et que ce troisième dévoile l'authentique visage du groupe. Le psychédélique et le shoegaze mélangeant krautrock et new-wave. Niveau look, c'était assez noir en fringues, assez négligé du capillaire mais ils ont bel et bien évolué de ce côté là, plus classes, plus « propres ».
Skying c'est la gloire des Horrors, c'est la bande son de l'été 2011 écoutée près d'une falaise, sur le sable humide avant que le soleil ne tombe dans les bras de Morphée (« Still Life » « Endless Blue »), c'est peut-être la lumière qui voit enfin le jour (« I Can See Through You » « Changing The Rain »). Et dans tout ça Farris a évolué, ce n'est pas le gamin qui mue à l'adolescence, sur Primary Colours il optait pour une voix sombre, aux tons obscures, sur Skying il semble s'adapter de façon à ne pas trop se plonger dans le profond, ce qui n'est pas du tout déplaisant mais bien au contraire sédatif, relaxant (« Still Life » « Oceans Burning »). Un petit clin d'oeil à The Stone Roses (« Dive In » « Moving Further Away»), parce qu'il y a des sources puisées chez les Mancuniens, on retrouve la base du son de Manchester des années 80, parce qu'il faut le dire, on est un peu nostalgique des années Roses & Ian Brown.
Le psychédélique serait donc en vogue, une sorte de Renaissance musicale que les Horrors remettent sur le tapis. Si Skying serait un livre, on pencherait pour L'existentialisme est un humanisme de Sartre. Certainement un des disques les plus marquant de cette année 2011.